Prodigy12 The blue cube

Vous venez de terminer le tout premier spectacle de Prodigy12, à Paris. Comment était-ce ?
Nous sentons que les graines de quelque chose de vraiment spécial ont été semées. Créer ce rêve à partir de rien, c’était complètement fou. Nous n’étions ni architectes, ni réalisateurs de cinéma. Pourtant, pour ce projet, il fallait tout comprendre à la fois. C’est le fruit d’un dévouement extrême de la part d’une petite équipe.
Ce fut la période la plus intense, la plus stressante, la plus joyeuse, la plus risquée et la plus amusante de notre vie.
Créer quelque chose d’inédit de plus d’une heure vous rend aussi très vulnérable. Souvent, quand on crée, on reste dans les limites d’un médium qui existe déjà d’une manière ou d’une autre. Ici, il n’y a ni repères ni « règles » à suivre, ni forme d’art déjà reconnue. À quelle vitesse la caméra doit-elle avancer ? Quels mondes devons-nous créer ? Comment l’histoire s’entremêle-t-elle avec les artistes sur scène, et quel rythme lui faut-il ? De quels instruments avons-nous besoin ? Combien de dialogues, combien de musique ? Mais aussi des questions très concrètes : quelle taille doit faire l’écran LED ? Combien d’enceintes nous faut-il ? Quelle doit être la capacité de la salle ?
Tant de questions.
Un pas dans l’inconnu. C’est un spectacle créé à l’instinct, avec la conviction que c’est ainsi que les spectacles évolueront à l’avenir. Il ne cesse d’évoluer.
Merci infiniment à nos dizaines de milliers de visiteurs à Paris.
Et un merci tout particulier à toutes celles et ceux qui ont contribué à donner vie à Prodigy12 !

Votre travail repousse les limites de l'audiovisuel. Comment êtes-vous arrivés là où vous en êtes aujourd'hui ?
Nous avons tout construit pas à pas. En tant que frères, cela a commencé pendant l'enfance. Notre tout premier spectacle a littéralement été donné pour dix personnes. Nous avons quitté nos emplois et tout s'est mis à tourner autour de ce projet. Puis cela a grandi, à travers un parcours fait de tragédies et de joies, jusqu'à aujourd'hui, où des dizaines de milliers de personnes assistent aux représentations. Petit à petit, l'équipe s'est formée ; cette passion est désormais partagée par un collectif extrêmement talentueux.

Nous avons toujours eu un seul cap : comment créer le meilleur spectacle possible ? Notre rêve est de concevoir quelque chose dont on se souviendra dans 50 ans. Nous avons commencé comme musiciens. Ensuite, au fil des années, nous avons appris d’autres disciplines liées aux spectacles : écriture, design visuel 3D, scénographie, mise en place technique… sans oublier la communication et, bien sûr, la construction d’un public. Nous comparons souvent cela à un corps humain : le cœur, c’est le spectacle, et c’est la collaboration précise de tous les membres et organes qui permet au cœur de battre. Nous sommes aujourd’hui une petite équipe, composée de personnes passionnées et talentueuses avec lesquelles c’est un plaisir de travailler dur pour un objectif commun !

Nous sommes très reconnaissants envers le public qui est déjà venu voir nos spectacles et qui viendra encore à l'avenir !

Pourquoi donnez-vous rarement des entretiens ? L’anonymat est-il un choix délibéré ?
Au-delà de notre nom de famille, nous souhaitons effectivement rester anonymes. Nous voulons que toute l’attention se porte sur les spectacles et les histoires qui les entourent.

Quel genre de spectacle est-ce ?
Ce spectacle est novateur pour plusieurs raisons : il est rare de voir un récit se déployer sur un écran 3D plutôt que sur une surface 2D traditionnelle. Fait plus inhabituel encore, le public y incarne le protagoniste : l'objet de désir que tous les personnages de cet univers cherchent à s'approprier. L'œuvre brise également les codes en faisant cohabiter personnages numériques et acteurs en chair et en os sur scène, tout en intégrant la façade bleue du bâtiment au cœur même de l'intrigue. Enfin, l'ensemble a été réalisé en un seul plan-séquence.

Notre ambition n'était pas de concevoir un spectacle « facile », reposant simplement sur des jeux de lumière et de la musique. Nous avons voulu repousser les limites pour créer quelque chose d'unique.

Comment équilibrez-vous créativité et technologie dans vos productions ? La technologie est-elle un simple outil, ou oriente-t-elle parfois la direction d’un projet ?
Nous faisons souvent le parallèle avec l’usage des premiers projecteurs à la fin du XIXᵉ siècle. À l’époque, beaucoup d’effets séduisaient le public. Plus tard, des noms comme Chaplin, Hitchcock ou Disney ont porté presque le même projecteur à un autre niveau.

Nous pensons vivre un moment similaire aujourd’hui. Les outils existent : projections à 360°, décors interactifs, son spatialisé. Mais ce qui compte, c’est la manière dont on les emploie. Ils ne doivent jamais distraire ; ils doivent approfondir. Pour nous, la technologie n’a de sens que si elle permet à la musique, au récit et à la présence humaine de résonner plus profondément.

La technologie permet-elle votre vision, ou guide-t-elle parfois la création ?
Nous évitons de la laisser mener la danse. Tout part du scénario, de l’émotion, de la question à l’origine de la pièce. Cela dit, certaines technologies ont ouvert des portes insoupçonnées. Parfois, un nouvel outil nous inspire une autre façon de voir une scène ou de façonner un moment. Mais nous revenons toujours à l’histoire.

Les moments les plus forts surgissent souvent dans le silence total ou avec le plus simple des effets de lumière. Nous embrassons l’innovation, mais avec prudence. Nous ne créons pas « pour l’écran » ; nous créons avec les interprètes sur scène, avec leur énergie et leur talent.

Comment la ville s’intègre-t-elle dans le spectacle ?
La ville n’est jamais un simple fond : c’est un décor vivant de l’histoire. Pour chaque production, nous reconstruisons des parties de la ville avec minutie à partir de cartes, d’archives et de milliers de photos. Chaque balcon, pavé ou réverbère est modélisé et réinventé. Mais nous ne visons pas le réalisme strict : comme un impressionniste, nous cherchons l’âme du lieu. Il s’agit de ce que la ville fait ressentir, pas seulement de ce qu’elle montre.

Parfois, la ville devient un personnage à part entière : elle change, bouge, réagit aux émotions des interprètes. C’est notre façon d’ancrer le surréel dans le familier. Que la pièce se déroule dans un paysage onirique ou dans une version hyper-locale du réel, la ville lui donne du poids.

Et le versant technique des visuels ?
Unreal Engine constitue l’ossature de notre production : ses outils de production virtuelle nous permettent d’intégrer des assets d’autres logiciels et de les optimiser pour la projection. Par exemple : l’océan en tempête créé dans Houdini (rendu 360° en 32K, plus de 80 millions de particules) ; la ville modélisée dans Maya ; les mouvements captés par caméras Vicon ; la chevelure générée dans Houdini ; et des visuels abstraits conçus en programmation visuelle nodale. Vous pouvez voir ici une vidéo des coulisses d’une production précédente.

Quelle est l’importance des artistes sur scène ?
Nous croyons profondément à la relation entre les artistes sur scène, ce qu’ils font, leur arc, leur apparence, la musique, les lumières, les visuels, tout doit servir un propos. Par exemple, dans un environnement clé de Prodigy12, nous nous demandons : à quoi ressemble notre monde surréaliste, et que fait-il ressentir ? Comment les interprètes s’y déplacent-ils ?

Et nous aimons la sensation « physique », le sentiment réel, surtout en ces temps d'IA. C’est aussi pour cela qu’un public en direct apporte tant d’énergie et de chaleur !

Utilisez-vous l’IA ?
Pour nos deux premiers spectacles, non. Tout a été fait à la main. Mais l’IA est devenue si utile que c’est presque comme l’électricité : on ne crée pas d’art avec elle, mais elle fait tourner une grande partie de ce qui se passe autour de l’art. Nous l’utilisons pour le travail qui n’est pas créatif, afin de consacrer plus de temps à la création. Rien ne change dans qui fait le spectacle : ce sont les mêmes personnes, la même équipe qu’à Paris et à Bruxelles. Ce que vous voyez et entendez, c’est toujours nous qui le créons.